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《欢迎到东莫村》用非常轻松幽默的方式在讲一个严肃的理想主义思想。由于是在描绘一个理想的世界，故事里的一切都变得简单而平面，没有了现实里的复杂多面。最明显的就是，不论是战争哪一方（南韩，北朝鲜，美国）都是不顾平民百姓的生死，滥杀无辜的邪恶一方。而相对于战争力量的，就是东莫村里的村民，淳朴单纯的善良一方。这是简单的善恶二分法。虽然没有说服力，但是对于采用寓言式的故事叙述方式来说，是可以被原谅的。也就是说，《欢迎到东莫村》就是个寓言故事，就是要简单平面。

东莫村是个世外桃源。一个美国军，两个南韩军和三个被朝鲜共产党意外地相聚在这里。外面的世界正在进行着残酷的战争，但是这里的村民却活在自己的世界里，毫不被干扰。当外面的世界正在争权力，争土地，争荣誉的时候，这里的村民却担心着庄稼的收成。东莫村就是理想主义的象征，而傻妹就是他们的代表核心。傻妹象征一种单纯的童真，没有利害关系观念，没有贪婪丑陋欲望，而且长得漂亮可人。就是这种理想的美丽，单纯和善良，对抗了外面纷乱世界的纠纷，对抗了人性里的丑陋，虚假和邪恶。

东莫村似乎有特殊的感染力量，三方面的兵士居住在这里，从互相对敌，逐渐放下成见变成朋友，甚至称兄道弟。可是，他们却给东莫村带来了外面世界的侵入，让东莫村陷入了危机。傻妹更在这个时候牺牲了。这象征着理想主义虽然美好，但是却敌不过暴力的侵犯。用理想主义去跟邪恶的暴力对抗，就只会留下血淋淋的无辜尸体。那，对付邪恶力量，应该用什么方式呢？结果，为了保卫东莫村，三方面的兵士团结一致，同样用暴力还击。这就说明，为了反抗被侵犯，我们还是必须用暴力捍卫心中的理想。最终，大部分的兵士壮烈牺牲了。这就让这部寓言故事增加了一股悲剧力量。

整部电影充满了唯美的画面。有许多自然景色的画面在配乐下让我觉得很熟悉。尤其当许许多多的蝴蝶飞向天空时，加上音乐的配合，不禁让我想起宫崎骏的卡通片。后来，我在资料上发现，导演是个宫崎骏迷，而这部电影的配乐正是久石让作曲的。而，电影的主题思想其实跟宫崎骏的理想主义思想很接近。

我不得不觉得，这是一部拍得不错的电影，尤其偶尔的幽默很逗趣，偶尔的唯美很富诗意。但是，我无法认同这是一部伟大的电影，更觉得它无法成为经典。毕竟，它太简单而平面了。而且，这样的理想主义寓言，已经不新鲜了。早在一千五百年前，中国400多年的时候，陶渊明已经作了一部《桃花源记》。但是，能够借鉴前人，然后创作出一部轻松幽默的电影，也就不错了，不是吗？

这部黑泽明早期的作品，《酩酊天使》在表现手法上比较简单直接，但是也已经透露出大师的风格偏向，喜欢用一些比喻或象征的手法。

电影里的比喻用得很明显，也跟电影的主体思想相紧扣的。那就是那潭污浊的湖水。这潭污水，比喻电影里的社会，社群，也可以是人心。而这名医生，就在跟社群，跟人心斗争。影片开头，一群小孩在污水里游戏，他生气地吆喝他们，明显地说明他在跟污水作战。这个医生在保护他的护士，要去报警时，说他要为这个社会消毒，就是跟社群里的坏分子作对。电影里有一个片断，是医生对黑社会分子病人说话，劝他离开黑社会，用污水作比喻，说他身边的那些猪朋狗友在污染他的生活。而人心呢？医生不断对小女生病人说，要用理性医病，连做人也要用理性。所以，医生生活在一个肮脏的社群里，就像那潭污水。但是，他并没有同流合污，他作为一个医生，医治病人的身体；作为社群的一分子，也在精神上跟恶势力斗争。

电影里有一段比较抽象的象征手段。就是病人松永的梦。梦里，他拿斧头将海岸边的一副棺材劈开。结果发现是另一个自己，但是脸色非常难看。然后，这个另一个自己就在海岸边追逐自己。而，背景是汹涌的波涛。我对这个象征的解读是，松用在自我斗争。他内心的黑暗面在侵蚀他本身，所以他拼命地逃跑。那为什么要在海岸边，而且浪涛澎湃呢？这只是一种增强画面感的手法，让观众看了觉得追逐非常激烈，情绪也是激动的。

同样的增强画面感的手法用在两个和社会分子决斗的时候。他们的拳打脚踢拍摄得很逼真而激烈的。为了加强画面感，他们还倒在铺满白漆的地上滚动，将身上染满了不均匀的白漆。最后，松用还在飘扬的衣服背景下倒毙。可以说，导演达到了要表现强烈画面感的效果。

还有一个值得提的是音乐的运用。电影里有一个陌生人常常坐在污水边弹吉它。他跟电影内容并没有直接关系。那他是为何而存在呢？我的理解是，他只是一个用音乐在观察其他人，一个超然的旁观者。后来，当另一个黑社会分子从他身上抢走吉它以后，音乐的客观性就失去了，也就预示了这个角色对故事内容起的转折作用。

《酩酊天使》在思想上可以说是很简单的。但是，有趣的是，黑泽明的导演让它在形式上丰富了。

2001年，《我的野蛮女友》除了在韩国极轰动之外，也可是红遍中国，日本，台湾，香港和东南亚的。九年后的今天，我看了影片后，也可以窥视到当年的社会面貌了，因为能引起观众的共鸣一定是因为电影里的某些精神影射了社会精神。其实，换个角度说，电影烙上了时代精神也就是影片的内容是有时代限制的。而当社会面貌改变了以后，其震撼性就会减弱了。

电影一反传统的爱情故事，颠倒了东方爱情观里的男人主宰掌控一切的观念。这个男主角在家里被妈妈欺负，性格温和驯良，甚至到了七岁才发现自己是男性。女主角也一点都不是传统的贤惠温柔的女性，凡事都要作主，还时常霸道地欺负男主角。有一幕，一个外表非常亮丽的现代女性，其实拥有男性器官，就很象征性地说明，现代男女性的界限与社会角色已经非常模糊。电影里就是男女角色的变换这一点，顺应了东方社会现代化的转变，引起了大家的共鸣。而影片又非常巧妙地运用幽默的方式，以缓和了其实非常紧张敏感的跟传统文化思想的冲突。

但是，说电影非常反传统，其实它却还是非常传统的。电影的前半部分是以非常轻松的格调在反传统。到了后半段，就非常认真，非常传统地在讲一个温馨感人的爱情故事了。《我的野蛮女友》的最终主题其实就是：爱情原本就是注定的。要强求是强求不了，但是想逃却也逃不了的。当缘分没到时，心里想碰见但是即使近在咫尺也会擦肩而过。当缘分到时，绕了一大圈，最终还是会相聚在一起。电影里用一个很有创意的讲法诠释了有情人终成眷属的思想：一个活在过去的人遇上了一个来自未来的人。

我不想评判到底这个爱情主题是否有深度还是肤浅。我想讲的是，这个思想是非常传统的。说到底，这就是人类对爱的渴望和憧憬的反映。而人类这种欲求是历久不衰的。《我的野蛮女友》虽然说很大胆地反叛了传统，但是追究根底，其实是一个古老的，永恒的爱的主题让它感动了许许多多的观众。它只是用了一个现代的方式在讲一个古老的故事。我相信，也只有这个经典的主题会让《我的野蛮女友》继续感动以后的观众，即使社会面貌已经改变。

这么经典的导演，这么经典的影片，当然也会存在非常经典的影评了。那我，还写什么呢？嗯，问题是，谁说我不能有自己的感受，即使是跟别人一样？所以，跟我写影评的一向宗旨一样，我只是旨在分享自己的看法和感受，甚至只当成是自己的情感记录。所以，我也不在乎，自己是否真看懂了，看仔细了经典电影已否。重要的是，电影我看了，我享受了，如果能从中自我提升就已经足够了。

首先，《七武士》给我的第一印象就是画面感非常强烈，让人觉得很好看。我无法讲出到底黑泽明的拍摄有什么特点，尤其作为黑白电影，因为我对摄影掌握得不多。但是，我觉得《七武士》里的画面都是非常吸引人的。虽然色调是黑白的，但是表现力却很强的。影片的画面总让人觉得是经过讲究的考量而精心设计的。我们并不会因为它是黑白而觉得单调的，反而让人觉得非常丰富而有层次的。

黑泽明在影片里也展现了讲故事的功力。影片可以分成三部分：寻找武士，准备作战，正式作战，每个部分占去1/3的剧情。前面两个部分的精彩在于，故事情节有起有落，人物的个性各个不相同而显得有趣。这就是剧情片的特点，也是电影中的文学叙述性部分。而在让故事发展下去的同时，黑泽明也不忘了描述武士与农民之间的阶级区分，还穿插了一段爱情故事。影片开头，一群农民跪蹲在土地上的形象，象一樽樽的石像一样，虽然很顽固很有生命力，但是也是保守，卑微和愚昧的。作为影片小插曲的爱情情节，目的是要说明阶级之间的差异是不容易跨越的，虽然爱情发生得自然，单纯和美丽。所以，黑泽明的电影是有哲学深度的。

影片的后1/3部分是战争场面。《七武士》拍摄于1954年，当时的摄影器材肯定是有时代局限的。但是，影片的打斗场面不会比目前在电脑科技下出产的影片逊色的。多少人与人的格斗，人骑着马战斗的场面拍得紧张而精彩。我想，就这部分来说，就能让《七武士》成为经典之作。

虽然电影非常长，大概三个小时半，但是一点也不会让人觉得烦闷。这是因为，不论是影片的剧情发展，还是画面，动作，都时时刻刻吸引着我们的目光。而在影片来到了尾声时，或许我们才会发现，原来它已经让你目不转睛地观赏了三个半小时了。而，这何尝不是一种享受？我们又怎能不说，经典就是好看呢？

《老男孩》不象一般的惊悚片那样，会让你心跳加速，手心发热，眼花缭乱。可是，它能让你内心极度不安，有些镜头甚至让你打从内心感到毛骨悚然。这除了是影片的叙事结构和故事节奏所凝造的压抑的效果之外，更归咎于电影本身的主题。世界上最可怕的不是存在于外在世界的猛兽或鬼怪；世界上最黑暗的恰恰是埋伏在人的内心世界里的阴险，残酷，和邪恶。人的这些黑暗，在复仇心理的驱使下，象潘多拉的宝盒被打开了一样，一一地流溢到空中，毒害着呼吸着的人们。“复仇”，就是那把关键的钥匙，将一切释放。

举三个电影中让人看了会起鸡皮疙瘩的镜头。第一个是将生生的八爪鱼，硬硬往嘴里塞。还活着的生命，在人的口里苦苦搏斗，做垂死的挣扎。最可怕的是，这是一场有意识的，刻意的屠杀。吃食者脸上流露出毫不留情的冷酷神色。第二个是将人质束绑着，然后用锤子背面硬硬将口里的牙齿撬拔掉。即使人质拼命地求情，锤子还是没有怜悯之心。鲜红的血从牙缝之间流出。结果，五六颗无辜的，还沾着鲜血的牙齿被丢到一旁。最后一个，主角拿着剪刀，硬硬将自己的舌头剪下。舌头被剪后，口中充满了大量的鲜血。将口中的血吐掉以后，仍然不断涌出的鲜血让主角喉咙哽咽，发出的声音同时是痛不欲生和悲痛绝望。

如果说，影片将复仇的主题拍得让人心寒的话，那更有力量的命题是：被卷入漩涡的人是无辜的。男主角一心想复仇，可是最终却成为复仇的受害者，为无心的过错付出惨痛代价。复仇者设下长远的陷阱，只为了一报心中的仇恨。可是，最终还是难以逃脱多年前的悲剧，自绝身亡。扰乱心灵的是，他们都无意间违反了天理人伦。一对父女成为情人并进行性交。一对姐弟互相倾慕并发生肉体上的亲密接触。原本单纯的爱的关系，被投下了黑暗的阴影。你会同情他们，因为他们是纯洁的，但是你同时觉得恶心，因为他们乱伦。

复仇者报了仇后，觉得活着的意义已经失去了。被报复者被报了复后，选择遗忘，重新生活。他们俩岂不都是受害者？他们都犯下了无心的过错，讲了不该讲的话，爱了不该爱的人。与其说他们是彼此之间的受害者，不如说他们只是自己的受害者。无辜只是一个借口，当人其实是有自由选择的意志时。俘虏着内心的仇恨的心理，其实才是最大的敌人。是它，开启了人内心的黑暗。

《东京物语》没有强烈的感情，却有一股淡淡的忧伤流淌其中。导演小津安二郎用的是平静，客观的视角，却向我们娓娓的讲述了一个从智者睿智的眼睛看到的人生故事。

电影中用的视角都是客观的第三者视角。角度是微微向上的仰视角度，刚好是日本人席地而坐时的视野高度。中景或特写镜头中的人物，眼睛并不是对着观众的。这就意味着，观众并不是从第一人称（讲话的对象）的角度出发，而是个旁观者。

绝大部分的镜头都是固定不动的。导演喜欢在人物移动时作剪接。比如，前一个镜头是人物向观众走来，剪到下一个镜头是观众在人物背面看见人物走离镜头。对室内的拍摄，通常是一个空间一个镜头。只有在人物离开了拍摄的空间，进入另一个空间时，镜头才进行转换和剪接连接。比如在幸一的房子里，太太在忙着打扫，在前一个镜头时，她走向右边，离开了镜头。下一个镜头，我们换了一个空间，看见她从右边走出来，进入镜头。接着，她又再走向左边，离开镜头。观众接着再在另一个空间里看见，她从左边走进镜头。每个镜头的连接都非常完美，富连续性。

电影的叙事性并不强。比如，电影开头，一对老人家正在收拾行李，观众并不知道他们要去那里。再如来到东京孩子的家，跟着他们一起进入的女人是什么人。导演并不喜欢明明白白的将故事情节和人物关系摊开来。观众必须耐心的看下去，接着答案自然揭晓。

电影偶尔会出现纯粹景象的拍摄。象尾道矮小，密集的屋子，坐落在一条河边，除了移动的河面船只之外，便是从屋子烟筒吹出的袅袅炊烟。出现在东京的则是几个巨大的工厂烟筒，吹出浓浓的烟雾。通常，景物画面都会伴有音乐。这个时候，音乐起了抒情的作用，让景物非常写意。有一幕，在热海海岸边，老夫妇沿着堤坝走，刚好有一群小孩快乐的奔跑着，音乐伴随着推轨镜头，让画面显得非常富诗意。这正是老人与小孩的对照。欣欣向荣的孩子们跟正走向迟暮的老人夫妇都在走着自己的路，一条人生之路。

电影的构图都是非常平稳的，黑白色调也很和谐。这正好配合导演所要表现的日本人特有的道德礼仪。他们的言语礼貌，行为谨慎，服饰井井有条，一切都是符合规范的。象葬礼后大家席地而坐，一起用餐的那一幕，大家长幼有序的坐着，画面上是对称的。

一切电影技术都显得那么平淡，不抢眼。但是，深藏在里边的是最深的人生感慨。婆婆问孙子，长大后想当什么。年幼的小孩没有作答。婆婆岂不知道，小孙子从来没有想过长大后的事。她想表达的是，“恐怕婆婆已经看不到了。”在老妇人去世后的第一个清晨，老公公到屋外去了。他说：“日出真美。”是阿，人生的起始就像日出一样，灿烂夺目，令人欣喜。可是，生老病死是每个人的必经之路。老公公失去了老婆婆，难道不伤心吗？但是，除了脸上的落寞，我们那里看到了他的悲怆？孩子们也有了自己的事业与家庭，必须离自己而去，他也没有埋怨过。说是看开了，但是也黯然的悲叹，人生寂寞啊。小津没有带着批判性的眼光。为什么？因为他更有智慧的洞察了人生世态，接纳了人生的自然规律。

节奏慢，客观视角，镜头固定，叙事性弱，抒情性强，再配合平稳的画面构图和黑白色调的和谐，正带出了小津的风格。讲的是什么呢？讲的是人生，平凡的人生，普通人的平凡的人生。